jueves, 24 de octubre de 2019

ALEXANDRE ALEXEÏEFF, CLAIRE PARKER Y LA PANTALLA DE AGUJAS. ANIMATION GOSSIP 9.



Desde el área de grabado de la Facultad de Bellas Artes de Valencia, María Lorenzo nos habla en este nuevo Animation Gossip de dos maestros de la animación artística: Alexandre Alexeïeff y Claire Parker. Aquí tenéis el enlace del vídeo:https://vimeo.com/353150863?fbclid=IwAR0QKEXA990gW4CLLNAr2hY5RUm9H-37Bxm_nz3KN06iw8R846LfVVM7chM
A comienzos de los años 30 se dan cita en Francia varios artistas, procedentes de distintos países, que utilizan la animación para desarrollar preocupaciones muy diferentes a los de la animación comercial, como Berthold Bartosch, antiguo colaborador de Lotte Reiniger, que en 1932 adapta a animación la novela en imágenes de Frans Masereel “La idea”, un filme realizado con grabado en relieve para tratar el tema de la revolución política y social. Hablamos también de Anthony Gross y Hector Hoppin, que realizan “La joie de vivre” (1934), un filme que rinde tributo a las Vanguardias, y que serviría de inspiración a los artistas de la UPA (https://www.youtube.com/watch?v=LAj5VjgTdQw).
Pero merece especial atención el dúo compuesto por Alexandre Alexeieff y Claire Parker, que en 1931 inventaron un singular método de animación: la pantalla de agujas o Pinscreen.

Alexandre Alexeïeff (1901-1982) nació en el Imperio Ruso en 1902, y murió en París en 1982. Alexeïeff pasó su infancia en Estambul y a los 7 años ingresó en una escuela militar de San Petersburgo, donde sus clases favoritas eran las de dibujo. En clase, el profesor de dibujo enseñaba objetos y luego los escondía, para que los alumnos los dibujasen de memoria. Este entrenamiento fue muy útil para Alexeïeff, que aprendió a centrarse en sus recuerdos y en los sueños.


Al estallar la Revolución Rusa, Alexeïeff era partidario del Comunismo, pero el asesinato de uno de sus tíos por los bolcheviques le hizo replantearse su posición y abandonar Rusia. En 1921 toma un barco que lo lleva a diferentes destinos, como Egipto o Japón. Finalmente llega a París para trabajar como escenógrafo, y se casa con una actriz de origen ruso, Alexandra Grinevskaya.
Hacia 1923 Alexeïeff es muy conocido por sus libros ilustrados pero una intoxicación con ácido nítrico lo obliga a estar internado durante dos años. En este período su esposa Alexandra aprende grabado para mantener a la familia, y se convertirá para Alexeïeff en una valiosa colaboradora, incluso tiempo después de que su matrimonio terminase.
En 1931 conoce a Claire Parker (1910-1981), una ingeniera americana, graduada en el MIT, que estudiaba Artes en París. Parker descubrió los libros ilustrados de Alexeïeff y, cuando más adelante lo conoció, le pidió que le diera clases. Este encuentro dio un cambio a sus vidas.
Alexeïeff empezaba a estar cansado del mundo de la ilustración e, inspirado por la película de su amigo Bartosch, “La idea”(https://www.youtube.com/watch?v=zT__PCFqd2M), empezó a tantear la posibilidad de trasladar al cine las ensoñaciones que dibujaba.
Sin embargo, las técnicas convencionales de animación no le servían para crear imágenes sugerentes de claroscuro. Por esta razón, pensó en una nueva técnica de animación más parecida a la pintura, que le permitiera modificar imágenes fotograma a fotograma: la pantalla de agujas.

La pantalla de agujas es un lienzo vertical, con una iluminación en ángulo oblicuo, y que está atravesado horizontalmente por más de 240.000 agujas que se pueden empujar en profundidad, lo que produce dibujos con distintos tonos de gris. Con esta invención, Alexeïeff podía hacer películas con su propio lenguaje plástico de grabador.
Alexeïeff, Alexandra y Claire Parker participaron juntos en la construcción de su primera pantalla de agujas. Pero como la familia de Parker financió los gastos y el mantenimiento de la familia Alexeïeff durante el rodaje de su primera película, la patente de la Pinscreen estuvo únicamente a nombre de Claire.
Su primera película fue Noche en el monte pelado, de 1933 (https://www.youtube.com/watch?v=wYbjW7XrWDo), un verdadero poema visual que fue muy aclamado por la crítica, aunque no les reportó grandes beneficios.
La animación con Pinscreen es una técnica muy laboriosa, que requiere mucha atención y también capacidad de improvisación. Con un estilo marcadamente surrealista, Alexeïeff nunca hacía bocetos antes de comenzar a animar. Para trabajar, Alexeïeff y Parker se sentaban cara a cara, a los dos lados de la pantalla de agujas, y, al igual que en el grabado, utilizaban diversos objetos e instrumentos para hacer incisiones en la pantalla y producir sus dibujos, fotograma a fotograma. Aquí podéis ver el proceso: https://www.youtube.com/watch?v=h_ji9mNuJJU
De alguna forma, cada aguja es como el píxel de una imagen mayor, un poco como el PixelArt, pero con mucha mejor resolución.
En Passant
Alexeïeff se inspiraba en historias de la vieja Rusia, en escritores como Nikolai Gogol y, sobre todo, en la música de Modest Mussorgsky. Aquí tenéis el enlace para ver Cuadros de una exposición:https://www.youtube.com/watch?time_continue=237&v=kXbBB4pNPaI. Sin embargo, cada película de pinscreen podía costar más de un año de trabajo, por lo que resultaban poco rentables, a menos que hubieran acordado previamente una buena distribución en cines.
Por esta razón, Alexeïeff y Parker tuvieron en paralelo varios trabajos en la publicidad y en algunos encargos de la National Film Board de Canadá, donde aún se conserva una de sus grandes pantallas de agujas. Asimismo, Alexeïeff también produjo la secuencia inicial de la película de Orson Welles, El proceso (1962), que adaptaba un tortuoso relato de Franz Kafka (https://www.youtube.com/watch?v=IlKEybkVl0M).
En total, Parker y Alexeïeff produjeron 6 películas de pantalla de agujas, más otros 41 filmes publicitarios realizados con técnicas variadas, como stop-motion y otros procedimientos de su invención, como la “totalización”. Aquí podéis ver Esso. Sève de la Terre: https://www.youtube.com/watch?v=kDTG-katSvY

El estilo visual de Alexeïeff varió muy poco con los años. Alexeïeff no pertenecía a ningún movimiento artístico y siempre se mantuvo independiente. Quizá su película más narrativa es “La nariz”, de 1963 (https://www.youtube.com/watch?v=XCkVKCu1c5E), a partir de una historia satírica de Nicolai Gogol.
En 1922, el crítico de arte Elie Fauré escribió estas palabras que parecen adelantarse al trabajo del equipo Alexeïeff: “Supongamos que un artista estuviera dotado de la pasión de Goya y la fuerza de Miguel Ángel; proyectaría en la pantalla una especie de sinfonía visual rica y compleja, inaugurando perspectivas de infinitud y de absoluto que serían emocionantes por su misterio. Este es el futuro con el que sueño.”
En Passant
La animación con pantalla de agujas elimina las nociones de silueta, y de figura y fondo, logrando en la imagen una unidad pictórica. Las películas de Alexeïeff y Parker están, además, cargadas de simbolismo, y en ellas importan más la forma y las texturas que la narración.
Alexeïeff y Parker son un ejemplo de artistas que llegaron a la animación desde otros ámbitos, creando un producto alternativo y personal. Pero su carrera común también demuestra cuán cerca estaban la animación artística y la publicidad en Europa en los años 30 y 40.

Bibliografía:
Giannalberto Bendazzi (2001), Alexeïeff: Itinerary of a Master.
Giannalberto Bendazzi (2003), 110 años de cine de animación.
David Flórez (1982), Caminando en círculos, “100 cortos animados” (encirculos.blogspot.com)
Richard Neupert (2014), French Animation History.

Estas son las entradas publicadas hasta la fecha:

--Animación en la República de Weimar. Animation Gossip 4: https://anthropocinema.blogspot.com/2019/08/oskar-fischinger-la-animacion-abstracta.html


Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , , , , ,

miércoles, 2 de octubre de 2019

GEORGE PAL Y LOS PUPPETOONS. Animation Gossip 8.


  Aquí tenemos una nueva edición de Animation Gossip. En esta ocasión María Lorenzo se desplaza al Museo del Juguete de la ETSID de Valencia para hablarnos del padre de los Puppetoons, George Pal.

Os pongo el enlace para ver el corto:https://vimeo.com/353149093?fbclid=IwAR1mvvcDvlQiW5yQvskV-uEgxvOIsaId9eQbGt_MFtfN0jFAwbSnZqnxz8U


George Pal nace en Hungría en 1908 y muere en Estados Unidos en 1980. Estudió Arquitectura, y también aprendió dibujo y carpintería de manera autodidacta. En 1928, con 20 años, entró a trabajar en un estudio de cine húngaro y de ahí pasó a Berlín, donde se convirtió en jefe del departamento de Animación de la UFA.

George Pal se dio cuenta del enorme tirón comercial que tenía la animación y en 1931 decidió crear su propia empresa, donde perfeccionó una curiosa técnica de stop-motion, que consistía en usar muñecos con poses enteras o partes reutilizables.
Al principio lo llamó Pall-Dolls, y más adelante, Puppetoons. La técnica consiste en reemplazar numerosos modelos en vez de modificar una sola marioneta, pose a pose. Esta técnica ya la había usado puntualmente Ladislaw Starewicz para animar las expresiones de un bebé en su película Le mariage de Babylas (1921), empleando para ello muchas caras reemplazables.

Pero George Pal lo hizo de manera extensiva, utilizando modelos torneados en madera, lo que suponía un enorme trabajo previo a fin de agilizar el rodaje y rentabilizar la puesta en escena.
Esta iniciativa comenzó poco a poco, con un anuncio de cigarrillos de 1932, y Pal vio que las formas geométricas se prestaban bien a este tipo de producción. Más adelante, los cigarrillos tuvieron bocas intercambiables para hablar. Así, Pal fue descubriendo la animación por reemplazo, que es uno de los procedimientos imprescindibles de la animación stop-motion actual.

Yawning Man, en El pequeño gigante, 1958 https://www.youtube.com/watch?v=6omR281klfw
La animación con reemplazos presenta al menos tres ventajas. La primera, te permite animar movimientos fluidos con modelos hechos de materiales rígidos, como por ejemplo cerámica, metal o cristal (Ship of the ether, Fragile).

Ship of the Ether
 La segunda, que la técnica permite al animador stop-motion la misma exageración gráfica que es común en la animación de dibujo tradicional, como los efectos de compresión y extensión.
La tercera ventaja es que estos modelos se pueden reutilizar cíclicamente, al igual que los ciclos animados con acetatos, pero además se pueden grabar desde distintos tiros de cámara (Philips Broadcast).

En 1933, la ascensión del partido Nazi al poder motivó que Pal se trasladara a diversas ciudades de Europa, como Praga, París, y finalmente Eindhoven, en Holanda, donde fundó un nuevo estudio para realizar películas comerciales para la marca de radios Philips y otros productos. George Pal se convirtió en el publicista más solicitado de Europa, y es en ese momento cuando empieza a llamar sus films Puppetoons.
Los Puppetoons eran unas películas que podemos llamar de estilo Art Decó, donde predominan las formas geométricas. Además, estaban producidos a todo color y eran tan sofisticados como los musicales americanos de la época.

Jasper
Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, George Pal decide marchar a Hollywood y consigue un contrato con Paramount para distribuir sus películas. En ese momento funda George Pal Productions para seguir realizando lo que él llamaba sus “dibujos animados a color y en tres dimensiones”.
En esa época produce, entre otras películas, su cortometraje pacifista Tulips Shall Grow (Los tulipanes crecerán, 1942), su serie de cortos con el personaje de Jasper, y también la sorprendente fábula Tubby the Tuba (Tubby la tuba, 1947). Además, en 1943, la Academia de Hollywood le concedió un Oscar técnico por “el desarrollo de nuevos métodos y técnicas fílmicas”.

Tuby la Tuba
Los tulipanes crecerán
Cada Puppetoon duraba unos 8 minutos de media, lo que solía requerir unos 9.000 modelos de reemplazo, torneados en madera, por cada película. Esto hacía que la producción fuera similar a la de un cartoon tradicional, aunque expandiendo sus posibilidades. Para preparar la producción, Pal realizaba dibujos de cada movimiento, especificando la pose inicial, la intermedia y la final; los intercaladores realizaban los intermedios y de esta forma testeaban primero en papel la fluidez de la animación, antes de rehacerla en volumen. La construcción de los modelos solía requerir varias semanas, pero como norma general una película completa de Puppetoon solía tardar menos de dos meses en ser realizada.
El ejército de Los tulipanes
George Pal siguió produciendo muchas películas de entretenimiento, y también recibió encargos del ejército americano para producir con sus Puppetoons filmes didácticos de estrategia militar. Sin embargo, al acabar la guerra, la inflación disparó los costes de este tipo de películas, de forma que Paramount decidió que ya no era rentable producir Puppetoons, a menos que figurasen como efectos especiales en películas.

Por esta razón, en los años 50 y 60 Pal produjo numerosas películas de fantasía y ciencia-ficción, junto con Paramount y MGM, combinando acción real con efectos de imagen y sonido. En su filmografía destaca La guerra de los mundos (1953), su película más taquillera, donde trasladó la acción de la novela de H.G. Wells a la contemporánea ciudad de Los Ángeles, requiriendo la creación de una detallada maqueta para simular su destrucción. Asimismo, películas como El pequeño gigante, 1958 ( aquí tenéis un fragmento: https://www.youtube.com/watch?v=6omR281klfw) y El tiempo en sus manos (1960) fueron todo un éxito artístico y comercial, que permitieron a George Pal reencontrarse con su papel de animador y de director, y desarrollar su afición hacia otros géneros.

Por su parte, los Puppetoons siguieron siendo populares incluso después de la muerte de Pal, ya que en 1986 el productor Arnold Lebovit, amigo personal de Pal, compró los derechos de muchos de sus cortos y los reestrenó conjuntamente como un largometraje, The Puppetoon Movie (1986).

El estudio de George Pal sirvió de base para que se formaran otros muchos animadores de stop-motion, incluyendo a Ray Harryhausen. En plena época dorada del Cartoon animado, George Pal se hizo hueco en la industria de Hollywood produciendo decenas de Puppetoons y eventualmente animando los efectos especiales de numerosas películas de acción real.
Por sus contribuciones a la animación y al cine de fantasía, George Pal es comparable a otros directores como Roger Corman o el mencionado Harryhausen, hasta tal punto que se le puede considerar el padre del cine moderno de ciencia-ficción.

Bibliografía:
Adrián Encinas Salamanca (2017), Animando lo imposible. Los orígenes de la animación stop-motion (1899-1945).
Peter Lord (1998), Cracking Animation.
Jesús Palacios (1994), “En busca de la magia perdida: las películas de George Pal”, Nosferatu. Revista de cine (14).
The Sci Fi Station (s/f), “The Legacy of George Pal” (http://www.scifistation.com/george_pal/legacyof.html).

Filmografía imagen real:

Cuando los mundos chocan, 1951.
La guerra de los mundos, 1953.
El gran Houdini, 1953. ( una película sobre ilusionismo que es, irónicamente, la única de George Pal sin efectos especiales)
Cuando ruge la marabunta (1954).
La humanidad en peligro (1954).
Con destino a la luna. La conquista del espacio, 1955.
El pequeño gigante (George Pal, 1958).
El tiempo en sus manos (George Pal, 1960).
El continente perdido (George Pal, 1961).
El maravilloso mundo de los Hermanos Grimm (Henry Levin, George Pal, 1962).
Las 7 caras de Dr. Lao, 1964.
El poder (1968).


Estas son las entradas publicadas hasta la fecha:

--Animación en la República de Weimar. Animation Gossip 4: https://anthropocinema.blogspot.com/2019/08/oskar-fischinger-la-animacion-abstracta.html

--EL MISTERIO DEL GATO FELIX. Animation gossip 7:https://anthropocinema.blogspot.com/2019/09/el-misterio-de-felix-el-gato-animation.html
--ALEXANDRE ALEXEÏEFF, CLAIRE PARKER Y LA PANTALLA DE AGUJAS. ANIMATION GOSSIP 9: https://anthropocinema.blogspot.com/2019/10/alexandre-alexeieff-claire-parker-y-la.html
Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , ,

miércoles, 25 de septiembre de 2019

EL MISTERIO DE FELIX EL GATO. Animation Gossip 7.



En esta ocasión María Lorenzo nos va a hablar, en lugar de un autor en concreto, de la serie de animación más popular de los años 20: Felix el gato. Y es que vamos a aclarar qué autores estuvieron detrás de este inolvidable personaje y por qué su verdadero creador quedó en el olvido. Por el camino aprenderemos muchas cosas sobre el sistema de producción fordista aplicado a la animación o los comienzos de la mercadotecnia asociados a un personaje carismático. En este enlace podéis ver el vídeo: https://vimeo.com/347313299?fbclid=IwAR3Ctxj3qFalDRe1GiKKBiev9zTkw28ytR2loJVChyQmquwacAwW_BCDdxg


Felix the Cat fue una serie de animación cartoon que se produjo inicialmente entre 1920 y 1929, y que posteriormente tuvo varios reboots televisivos a color. Aunque no fue la serie muda más lucrativa ni la más larga, ni tampoco la producción de un gran estudio, es la más recordada de aquella época por el alto número de aficionados que reunió, lo que terminó generando un interesante fenómeno: el merchadising de animación. Felix the Cat es, además, un ejemplo paradigmático de los métodos de producción en los estudios americanos en los años 20.
Pat Sullivan
Durante décadas se creyó que el creador de Félix el Gato era el australiano Pat Sullivan, nacido en Sidney en 1885 y fallecido en Nueva York en 1933. Sin embargo, su verdadero inventor, y dibujante único de un gran número de cartoons animados, así como de todas las tiras de prensa, fue el americano Otto Messmer, nacido en 1892 y fallecido en 1983, y que por timidez no reclamó para sí la paternidad del famoso gato hasta décadas después del fallecimiento de Sullivan.
Otto Messmer

Lo cierto es que Pat Sullivan y Otto Messmer habían llevado trayectorias muy diferentes hasta que se encontraron. Por un lado, Otto Messmer era el típico chico obsesionado con dibujar a todas horas, un animador autodidacta que solía alquilar una cámara a los estudios de cine para poder grabar sus propias películas.
Por otro lado, Pat Sullivan era el emprendedor aventurero, el vividor que había desempeñado varios oficios, incluyendo el de boxeador, y que en torno a 1915 empezaba a ser conocido por sus caricaturas.
Otto Messmer y Pat Sullivan se conocieron precisamente en un estudio de cine. Pat Sullivan ya había trabajado en el estudio de animación de Raoul Barré y tenía conocimiento profesional del medio, de forma que en 1915 se estableció por su cuenta como Pat Productions, y fichó como animador a Messmer.
Pat Sullivan le enseñó el método de animación cartoon que se usaba en el estudio de Barré, alternativo a la animación con acetatos, y que se llamaba Slash System. Hay que tener en cuenta que la animación con acetatos la había patentado Earl Hurd para el estudio de animación de John Randolph Bray y que su uso era caro. La animación con acetatos consistía en dibujar a los personajes sobre láminas transparentes, de forma que se movieran sobre un fondo opaco. El Slash system, por el contrario, implica que los personajes se dibujan sobre papel y los elementos de la escenografía se dibujan sobre un acetato. Y si acaso el personaje tiene que desplazarse sobre ese fondo, entonces los papeles de la animación se recortaban cuidadosamente para que no produjera solapes con el fondo. Un trabajazo, vaya.


En 1916, Pat Sullivan vende a Charles Chaplin la idea de una serie animada con su personaje Charlot, de la que llega a producirse una docena de cortos. En este enlace podéis ver Felix in Hollywood de 1923: https://www.youtube.com/watch?v=XXRk4o2idQU
Sin embargo, Pat Productions va a bancarrota y los dos socios se separan hasta que finaliza la Primera Guerra Mundial. Cuando decidieron retomar la serie de Charlot, en 1918, Paramount Pictures les sugirió que presentasen una nueva serie. Y así fue como Messmer se lanzó a crear aventuras para un nuevo personaje que había estado imaginando: un gato negro.

Eso sí: quien firmó el contrato fue Pat Sullivan, y desde entonces, todos los cartoons animados, así como las tiras dominicales dibujadas por Otto Messmer, llevarían su firma inevitable: Pat Sullivan.


Hasta 1924, Otto Messmer estuvo realizando él solo un cartoon al mes. El diseño de Felix era más bien anguloso y, su psicología, un tanto retorcida, como si fuera una versión gatuna del personaje de Charlot en su primera etapa.
Más adelante, cuando estaban obligados por contrato a realizar un cartoon cada dos semanas, el estudio contrató nuevos animadores y se estableció una verdadera cadena de trabajo, teniendo como resultado un redondeado progresivo del diseño, que debía ser redibujado por las manos de artistas sucesivos.


Curiosamente, en el estudio de Pat Sullivan no trabajaban en varios cartoons a la vez, sino en uno solo cada dos semanas. Lo hacían así, en lugar de incrementar la productividad de otra forma, porque Otto Messmer no escribía guiones. Él se imaginaba todos los gags a medida que avanzaba la producción de cada cartoon y el trabajo de los demás animadores dependía únicamente de la creatividad del director.
Felix el gato fue un personaje tan exitoso como imitado. Muy pronto surgieron versiones de personajes gatunos que se le parecían, como por ejemplo el gato Julius que acompañaba a Alice en los cartoons producidos por Walt Disney en los años 20:https://www.youtube.com/watch?v=BW0gaDMBPV4
Se han propuesto muchas interpretaciones de por qué Felix el gato fue un personaje con tanto carisma, desde la sugerencia romántica del gato como un habitante de la noche, sin reglas, hasta sus connotaciones fetichistas, debido a su parecido con un juguete. Evidentemente, Felix era un personaje muy abstracto con quien cualquiera podía identificarse pero quizá su rasgo más distintivo, absolutamente propio de la lógica visual del cine mudo, era su capacidad de transformación más allá de las leyes de la lógica, o lo que Eisentein llamó “plasticismo polimórfico”.


Hacia 1926, el gato Felix era, después de Chaplin, el personaje de película más famoso del mundo. Esto se debió a ideas publicitarias como incluir anuncios en periódicos, o proporcionar grandes siluetas del personaje para decorar los cines. Además, Pat Sullivan licenció la imagen del personaje para vender todo tipo de productos, incluyendo cigarrillos. Finalmente, el muñeco de Felix fue un éxito de ventas. Pat Sullivan se adelantó en mucho a toda la mercadotecnia del imperio Disney.


En 1928, tras el estreno de Steamboat Willie, Disney se dirigió al estudio de Pat Sullivan para ampliar su plantilla a costa de contratar a todo su personal. Sullivan se negó porque no quería abandonar Nueva York, y además creía que Felix tendría aún muchos años de éxito por delante. Pero se equivocaba.
La etapa final de la serie está marcada por la mala decisión de no renovar técnicamente el estudio para competir con el cine sonoro, y por el propio declive personal de Sullivan. Una noche de 1932, cuando se estaban preparando para salir de fiesta, su esposa falleció accidentalmente al caer por una ventana mientras se asomaba para llamar a su chófer. Pat Sullivan no se recuperó nunca de su pérdida y falleció en 1933.


La muerte de Sullivan dejó la propiedad del personaje en un vacío legal que impidió a Messmer retomarlo, a pesar de ser su autor. El personaje, finalmente, era propiedad de los herederos de Sullivan en Australia.
Felix fue un personaje que destacó por su complejidad, a la vez felino y humano, realista y mágico, y con un estilo de animación que no imitaba a ningún otro estudio del momento, sino que sentó las bases para la animación de personajes que se desarrollaría en las décadas siguientes.
Estas son las entradas publicadas hasta la fecha:
--WINSOR McCAY. Animation Gossip 1: video https://vimeo.com/338593977 y artículo: http://anthropocinema.blogspot.com/2019/06/winsor-mccay-animation-gossip-1.html
--Los hermanos Fleischer. Animation Gossip 2:  Vídeo https://vimeo.com/339730493 y artículo: https://anthropocinema.blogspot.com/2019/06/los-hermanos-fleischer-animatio-gossip-2.html
--LOTTE REINIGER. Animation Gossip 3: video https://vimeo.com/341242700?fbclid=IwAR3i9gW1Fs8ZsxBEOrm7qpMr9YjZ7kR5lTPkeuF8fd2KUGIs3HHqFiCPGRI y artículo https://anthropocinema.blogspot.com/2019/07/lotte-reiniger-maestra-de-sombras.html

--Animación en la República de Weimar. Animation Gossip 4: https://anthropocinema.blogspot.com/2019/08/oskar-fischinger-la-animacion-abstracta.html

--EMILE COHL: Animation Gossip 5: http://anthropocinema.blogspot.com/2019/08/emile-cohl-animador-de-cartoons.html
--LADISLAW STAREWICZ. Animation Gossip 6:https://anthropocinema.blogspot.com/2019/09/ladislaw-starewicz-domador-de.html
--EL MISTERIO DEL GATO FELIX. Animation gossip 7:https://anthropocinema.blogspot.com/2019/09/el-misterio-de-felix-el-gato-animation.html
--GEORGE PAL Y LOS PUPPETOONS. Animation Gossip 8:https://anthropocinema.blogspot.com/2019/10/george-pal-y-los-puppetoons-animation.html
--ALEXANDRE ALEXEÏEFF, CLAIRE PARKER Y LA PANTALLA DE AGUJAS. ANIMATION GOSSIP 9: https://anthropocinema.blogspot.com/2019/10/alexandre-alexeieff-claire-parker-y-la.html

Bibliografía:
Giannalberto Bendazzi (2003), 110 años de cine de animación.
Alan Cholodenko (2007), “(The) Death (of) the Animator, or: the Felicity of Felix, part II” (https://journal.animationstudies.org )
Donald Crafton (1982), Before Mickey: The Animated Film (1898-1928).


Publicado por en No hay comentarios:
Etiquetas: , , , , , , ,

sábado, 7 de septiembre de 2019

LADISLAW STAREWICZ: DOMADOR DE MARIONETAS. ANIMATION GOSSIP 6.

Esta nueva entrada de la serie Animation Gossip trata de Ladislaw Starewicz, el pionero más importante de la animación stop-motion. Nos lo cuenta María Lorenzo con sus grandes dotes de divulgadora.


Starewicz nace en Moscú en 1882 y moriría en Francia en 1965. Durante su infancia y juventud estuvo interesado en cosas tan dispares como el teatro y la entomología, que después confluyeron en su obra. Estudió Bellas Artes y entró a trabajar como colaborador en el Museo de Historia Natural de Kaunas, en Lituania.
Se cree que en esa época Starewicz vio una película de Émile Cohl, Las cerillas animadas, y que le dio ideas para reproducir en una película las mismas luchas de insectos que le gustaba estudiar en la naturaleza.
Starewicz estaba fascinado por los escarabajos ciervo, pero no podía grabarlos directamente con una cámara de cine porque para ello necesitaba una fuerte iluminación y esta paralizaba a los insectos. En lugar de ello, decidió animar la escena utilizando escarabajos embalsamados a los que preparó como si fueran marionetas.
Marionetas de "La venganza del cámara"
El resultado fue un cortometraje muy breve, Lucanus Cervus, de 1910. Cuando se proyectó en Inglaterra, un crítico despistado la describió como el experimento de un científico ruso que había amaestrado a los escarabajos.
Starewicz se estableció en Moscú como realizador de películas de animación y de imagen real. La película más famosa de este período es La venganza del cámara, de 1912, una visión cínica del amor y la infidelidad en un mundo de insectos humanizados. (https://www.youtube.com/watch?v=PAP8Nf_ebr4 )
Sin embargo, la Revolución rusa fuerza a emigrar a Starewicz y su familia, que llegan a París en 1920. Allí Starewicz se establece como animador, de manera autónoma, montando una productora familiar: Starewicz y su mujer, Anna, se encargaban de la construcción de los decorados y las marionetas, su hija mayor, Irene, confeccionaba los trajes, y su hija pequeña, Jeanne, actuó en varias de sus películas.
Su filmografía francesa es muy extensa, incluyendo un largometraje y más de 40 cortometrajes. Sus temas suelen basarse en las fábulas de Esopo y De la Fontaine, aunque incorporando siempre un toque de la vida moderna.
Fábulas como “El ratón de campo y el ratón de ciudad” tienen lugar en la época contemporánea, mostrando espectáculos como el Music Hall. En general, todas las películas de Starewicz, incluso las de su etapa muda, incorporaban escenas de baile y música, de tal forma que pudieron reestrenarse años después, cuando empezó el cine sonoro. (La cigarra y la hormiga, 1911: https://www.youtube.com/watch?time_continue=5&v=v4zqeR0-gew).

Starewicz llamaba a sus películas “cine-marionetas”, y a menudo sus protagonistas eran muñecos de gran tamaño, que podía animar con mucha precisión y expresividad. Aparte de la narración, a Starewicz le interesaba sugerir un efecto mágico en el espectador, mediante el montaje y la iluminación, creando la sensación de entrar realmente en su mundo onírico, como en su aplaudida serie Fetiche-Mascota (https://youtu.be/TR7JlmbTwv8 ).
Starewicz desarrolló técnicas que incrementan la sensación de verosimilitud, como el motion blur, la animación por reemplazo, el movimiento torácico de los muñecos para simular que respiran, o la retroproyección. Starewicz, el entomólogo, el taxidermista, realmente restauraba la vida de los animales en sus películas.
Merece especial atención su único largometraje terminado, Le Roman de Renard, cuya realización le llevó largos años, desde 1929 hasta 1941, particularmente por un problema con el sistema de sonorización que impuso su primer productor, hasta tal punto que la versión alemana de la película pudo estrenarse mucho antes que la francesa, gracias a que la UFA se ofreció a sonorizarla enteramente en 1937 (https://www.youtube.com/watch?v=cCcOqdPLA9M).

Curiosamente, en Le Roman de Renard también aparece acreditada como coguionista y codirectora la hija mayor de Starewicz, Irene, de forma que podemos considerar que el padre y la hija compartieron autoría y responsabilidades a partes iguales.
A pesar de haberse terminado de producir durante la Ocupación francesa, y de que su distribución europea se limitó a los países ocupados o neutrales durante la Segunda Guerra Mundial, Le Roman de Renard significó un gran éxito de público.
La historia está basada en un conjunto de tradiciones medievales que se registraron por escrito en torno al siglo XII, y tiene por protagonista a Renard, el zorro, un personaje marrullero pero simpático, prototipo del pícaro que ha aprendido a engañar antes de ser engañado. La película muestra grandes dosis de humor negro e ironía, y en el desenlace, viendo que el zorro es realmente imbatible, el rey de los animales decide convertirlo en su primer ministro. Indudablemente, Le Roman de Renard es el antecedente del Robin Hood de Disney.
Les yeux de dragon
En parte, la magia de las películas de Starewicz se debe a que están construidas en base a oposiciones binarias, incluyendo lo vivo contra lo muerto, lo humano contra lo animal, la fantasía frente al realismo, encarnando toda una cultura mitológica del folklore y el animismo. Starewicz era un poeta y un artesano, y su forma de producir películas, al margen de los grandes estudios, sentó las bases del cine de animación francés durante numerosas décadas.
Amour blanc et noir, 1932
Starewicz tuvo una gran carrera artística y comercial. Siempre fue dueño de sus películas, que le procuraron pingües beneficios. Pero, sobre todo, Starewicz fue un autor con personalidad propia, preocupado por el naturalismo al mismo tiempo que creaba historias fantásticas. Hoy en día, cineastas como Terry Gilliam, los Hermanos Quay o Wes Anderson acusan muchísimo su influencia, porque desde hace ya cien años, y contando con muchos menos medios de los que existen ahora, Starewicz supo extraer al cine de marionetas todo su potencial.
Fantástico Mr. Fox

En este enlace podéis ver el vídeo dedicado a Starewicz en la serie Animation Gossip:https://vimeo.com/345316398?fbclid=IwAR086t6Odj3pU5Xys_bFJoz7-Xe3E4D5fzlUbjvOe5KEqI_EpCKuQqxyvGE

Estas son las entradas publicadas hasta la fecha:
--WINSOR McCAY. Animation Gossip 1: video https://vimeo.com/338593977 y artículo: http://anthropocinema.blogspot.com/2019/06/winsor-mccay-animation-gossip-1.html
--Los hermanos Fleischer. Animation Gossip 2:  Vídeo https://vimeo.com/339730493 y artículo: https://anthropocinema.blogspot.com/2019/06/los-hermanos-fleischer-animatio-gossip-2.html
--LOTTE REINIGER. Animation Gossip 3: video https://vimeo.com/341242700?fbclid=IwAR3i9gW1Fs8ZsxBEOrm7qpMr9YjZ7kR5lTPkeuF8fd2KUGIs3HHqFiCPGRI y artículo https://anthropocinema.blogspot.com/2019/07/lotte-reiniger-maestra-de-sombras.html

--Animación en la República de Weimar. Animation Gossip 4: https://anthropocinema.blogspot.com/2019/08/oskar-fischinger-la-animacion-abstracta.html
--EMILE COHL: Animation Gossip 5: http://anthropocinema.blogspot.com/2019/08/emile-cohl-animador-de-cartoons.html
--EL MISTERIO DEL GATO FELIX. ANIMATION GOSSIP 7: https://anthropocinema.blogspot.com/2019/09/el-misterio-de-felix-el-gato-animation.html
--GEORGE PAL Y LOS PUPPETOONS. Animation Gossip 8:https://anthropocinema.blogspot.com/2019/10/george-pal-y-los-puppetoons-animation.html
--ALEXANDRE ALEXEÏEFF, CLAIRE PARKER Y LA PANTALLA DE AGUJAS. ANIMATION GOSSIP 9: https://anthropocinema.blogspot.com/2019/10/alexandre-alexeieff-claire-parker-y-la.html


Bibliografía:
-CCCB (2014), Metamorfosis. Visiones fantásticas de Starewitch, Svankmajer y los hermanos Quay.
-Giannalberto Bendazzi (2003), 110 años de cine de animación.
-Donald Crafton (1982), Before Mickey: The Animated Film (1898-1928).
-Adrián Encinas Salamanca (2017), Animando lo imposible. Los orígenes de la animación stop-motion (1899-1945).
-Richard Neupert (2014), French Animation History.
 
Fleur de foguere
Publicado por en 1 comentario:
Etiquetas: , , , , , , ,
Suscribirse a: Entradas (Atom)